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Résidents OpenBach 2023 – Expo collective

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L’exposition collective de résidents de l’OpenBach galerie est un événement artistique unique, qui s’est déroulé du 24 au 28 mai 2023, rassemblant une variété de talents issus de la communauté de l’OpenBach. Située dans un espace lumineux et contemporain, la galerie abrite des œuvres d’art contemporain, d’installation, de photographie, de sculpture et de peinture.

Les œuvres exposées sont toutes créées par des résidents de l’OpenBach galerie, chacun apportant leur propre style, leur vision et leur créativité unique à l’exposition collective. Les artistes et des membres de la communauté de l’OpenBach sont présents pour répondre aux questions et échanger avec les visiteurs. En visitant cette exposition collective, les visiteurs peuvent découvrir des artistes émergents passionnés qui cherchent à partager leur vision et leur créativité avec le public. C’est une expérience artistique, immersive et inspirante qui offre un aperçu de la richesse et de la diversité de la scène artistique locale.

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Panorama des nuances – Manon Karsenti, Véronique Augry-Demailly et Tiffany Silve

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L’exposition présentée à la galerie Openbach, du 3 au 7 mai 2023, est une rencontre intergénérationnelle entre trois artistes : Manon Karsenti, Véronique Augry-Demailly et Tiffany Silve. Elles partagent plusieurs affinités : une passion pour les champs colorés, toutes trois réunies en résidence à Openbach -Vincennes où elles partagent leur atelier. Fascinées par la représentation de l’espace, elles tentent de transférer sur une surface plane la complexité d’une situation spatiale et de se servir des couleurs pour faire vivre l’espace. Les couleurs vives et les formes abstraites représentent des paysages imaginaires et des fragments de mémoire.
Les blancs laissés par les artistes représentent des vides heureux ou des moments de silence. Les éléments graphiques présents dans les œuvres racontent une histoire transmettant des sensations et des émotions. Les artistes créent des compositions énigmatiques, des structures et des cartographies, créant un dialogue entre les espaces intimes et les univers imaginaires. Les éléments du réel sont intégrés dans l’abstraction, créant un lien entre le visiteur et l’artiste. Les artistes passent du dessin à la peinture, créant des univers riches en couleurs et en textures. Les hors champs laissés dans les œuvres créent une sensation d’infini, laissant libre cours à l’imaginaire. Pour l’occasion, elles présenteront une constellation de petits formats variés faisant vivre un panorama des nuances en tissant des liens tacites entre leurs œuvres. Lionel Dax
Véronique Augry-Demailly est une artiste parisienne diplômée des beaux-arts de Dijon. Elle a une pratique artistique mêlant le dessin, la peinture et explore de façon générale le paysage et la cartographie. Elle a exposé récemment à la galerie Le Passage à̀ Paris, à la Casa del Arte à Palma de Majorque et a participé au salon des Réalités Nouvelles à Paris. Sa série de peinture « Atlas rassemble des hybrides d’explorations imaginaires où l’abstraction rencontre par moment des vestiges de réel. Elle est également coordinatrice pédagogique de l’école Prepart -Paris et enseignante. Elle collabore régulièrement avec Tiffany Silve avec qui elle vient de réaliser une fresque murale de 5m à la résidence artistique Openbach à Vincennes et ont créé le Studio Vats-photo.
Manon Karsenti est illustratrice et autrice. Après avoir fait ses études aux beaux-arts d’Epinal, elle poursuit ses études aux beaux-arts de Metz et en est sortie diplômée. Dans son travail, elle développe un travail principalement axé sur le lien entre la narration et l’image qui incarne un dialogue essentiel à sa création. Son univers est essentiellement animé par des thématiques liées à la métamorphose, au temps qui passe, à l’enfance, la famille et à la nostalgie qui en découle. Elle s’exprime principalement à la mine de plomb et au crayon de couleur. Ses histoires imprégnées de souvenirs font naître des personnages à la recherche de leur soi, de leur deuil, d’un passé évanescent ou d’un futur nostalgique. Elle raconte des moments qui proviennent de son vécu et de son entourage, de témoignages qu’elle récolte et de ses propres souvenirs qui sont devenus sa documentation première. Ainsi, elle tend à rendre visible ces temps suspendus, cette absence subjective, en la creusant au sens propre du terme avec la technique du monotype. Elle aime retracer des sujets intimes pour soulever des réflexions plus larges et universelles en restant au plus proche de son émotion. Elle a publié son premier roman graphique en décembre 2021, Coco, et je prendrai une photo pour toi, édité par « La maison des pas perdus » qui révèle une fresque familiale et qui traverse la mémoire de sa grande tante née à Oran, décédée quelques mois avant.
Tiffany Silve est une artiste- designer franco-mexicaine qui vit et travaille actuellement à̀ Paris. Diplômée récemment de l’ENSCI après un parcours à l’ESAD de Reims, son travail se partage entre une production autour de l’objet, de la peinture et du dessin. Ses problématiques tournent essentiellement autour du croisement entre mémoire, souvenir, univers des chantiers et de l’architecture. Elle travaille sur des supports variés tels que le calque, le papier et différents formats. Elle utilise des techniques de composition, de couleur, de blanc, d’absence et cherche à faire rentrer l’imaginaire dans son univers paysagé, architecturé et structuré. Elle collabore régulièrement avec Véronique Augry-Demailly avec qui elle vient de réaliser une fresque murale de 5m à la résidence artistique Openbach à Vincennes et ont créé́ le Studio Vats-photo.
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ETERNEL INSTANT – Norns Collective

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La première exposition “l’instant éternel », qui s’est déroulé du 26 au 30 avril 2023, Norns Collective réunit 3 artistes : Anna, Paloma et Helga qui explore le thème de la présence dans un monde qui s’appuie fortement sur des tendances échappatoires. L’exposition soulève des questions critiques qui encouragent les spectateurs à réfléchir à leur relation avec le moment présent.

Comment l’immédiateté du moment présent nous met-elle mal à l’aise ? Quels sont les espaces physiques qui nous confrontent au présent ? Comment visualisez-vous les espaces intérieurs ? Comment cela nous pousse-t-il à nous confronter à nous-mêmes ?
Telles sont quelques-unes des questions explorées par Anna Cambier, Helga Richniak, Paloma Jauncey Mckim et la première artiste invitée du collectif, Lara Pels. L’exposition combine la poésie et de l’art visuel, incitant les spectateurs à explorer les réponses possibles à ces questions. Les poèmes de Richniak et Mckim, présentés sous forme audio et visuelle, capturent l’anxiété et l’inconfort d’être dans l’ici et le maintenant. La photographie et l’art multimédia de Pels et Cambier offrent une représentation viscérale et personnelle de la manière dont les espaces externes et internes nous mettent face au présent et aux paysages de notre esprit que ce moment forme. Grâce à une synergie de formes artistiques, l’exposition crée un espace qui nous permet d’intérioriser l’abstrait dans le quotidien. Cette expérience immersive offre aux spectateurs une occasion unique de s’engager dans le concept de présence et de conscience de soi, les incitant à regarder à l’intérieur d’eux-
Les Norns sont des divinités nordiques qui personnifient la naissance, la vie et la mort des humains. Ces trois figures ont accès à une connaissance supérieure du pourquoi et du comment des gens, ce qui leur permet de voir le destin de tous les êtres et de générer une interprétation supérieure de notre comportement. Dans cette optique, nous aimerions offrir une perspective unique sur la pensée et le processus humain. Pour ce faire, nous explorons la manière dont le dialogue entre le langage et l’image peut représenter des expériences abstraites telles que la perception du temps, la mémoire et l’identité. Lara Pels est une artiste néerlandaise basée à Paris et à Leipzig, en Allemagne, avec une formation en anthropologie culturelle. À travers la photographie analogique, Lara explore les thèmes de l’identité, des émotions, de la manière dont notre environnement forme notre perception de soi et de l’impact de l’Anthropocène sur la nature. En mettant l’accent sur l’intimité, la solitude, le deuil et le détachement, ses images visent à créer une familiarité et à encourager l’empathie. Le travail de Lara témoigne du pouvoir de l’art comme moyen d’expression et de réflexion. Elles visent à encourager l’empathie et la compréhension, et contribuent à une conversation plus large sur l’expérience humaine.
Anna Cambier est une artiste multimédia franco-allemande qui a terminé son Bachelor en Arts Interdisciplinaires en 2022. Elle vit aujourd’hui à Paris et fait partie de plusieurs collectifs d’artistes internationaux qui se concentrent sur la création d’expositions et d’événements culturels. Le travail artistique de Cambier explore la manière d’incarner les paysages intérieurs, la perception du temps et la peur de la mort sous forme de peintures et d’installations multimédias qui dansent entre l’absurde et le familier. Helga Richniak est une auteure ukrainienne de poésie et de prose courte basée à Paris. Son approche de l’écriture poétique implique la description et la manifestation de visions et de sentiments saisis afin qu’ils deviennent tangibles pour le lecteur. Le travail d’Helga explore les thèmes de l’interconnexion, des rêves, de la corporalité et de la nature. En cristallisant constamment les images dans sa poésie, Helga cherche à dépeindre la réalité dans la vérité et la nudité dans laquelle elle la perçoit. Paloma Jauncey Mckim est une poétesse d’origine britannique qui a été publiée au Royaume-Uni. Elle explore les expériences humaines profondes qui existent dans les pensées souvent négligées qui passent lorsque nous attendons le bus ou dans les moments de silence après une dispute. À travers sa poésie, elle confronte le malaise et l’anxiété récurrents qui prévalent dans la vie moderne en examinant les lieux et les secondes du quotidien que nous ignorons souvent. Le travail de Paloma nous met au défi de trouver un sens aux moments que nous pourrions autrement oublier ou manquer.
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Métamorphisis – Aurore Le Ludec

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De l’écoulement à l’absorption de la peinture textile sur des superpositions de tissus en coton, il s’agit d’évoquer un processus de transmutation. Ici, après analyse du phénomène menstruel, Aurore Le Ludec a développé un procédé pictural qu’elle réalise uniquement pendant la période de règle et qui me permet une transposition symbolique d’un sang qu’elle considère comme synonyme de blessures et de traumatismes en sang-peinture créateur. Ces écoulements de peinture textile sont effectués sur une superposition de tissus qui pour moi évoque la dimension transgénérationnelle de mon travail. L’OpenBach a accueilli l’exposition metaphorsis du 19 au 23 avril 2023.

Aussi loin qu’elle se souvienne, il y a cette sensation d’être dans un corps désincarné qui doit retrouver son enveloppe et ma première approche du textile à travers le Diplôme des métiers d’art en réalisation de costume lui a permise d’éprouver les sensations d’une carapace textile. Dans un second temps, mes trois années de peinture sur tissus aux Ateliers Beaux arts de la Ville de Paris m’ont apporté un lieu d’expression picturale sur tissus. C’est dans un dernier temps, que elle a développé dans le cadre d’un Master 2 de recherche en arts-plastiques une recherche-création portant sur la transposition symbolique du sang menstruel en un geste pictural et qui s’inscrit dans l’élaboration d’un processus en lien direct avec la matérialité du tissu et de la peinture textile. En toile de fond, il y a l’importance de la récupération des tissus venant de ma famille paternel, qui, trois générations me précèdent, avait développé une activité de tisserand. Cette idée de la transmission transgénérationnelle est fondamentale puisque ma pratique de l’écoulement sur tissus superposé fait référence aux anciennes protections hygiéniques et aux blessures/traumatismes enchevêtrés. Ici, le faire-corps émotionnel, psychique et physique avec la peinture et le tissu constitue à la fois une réappropriation de mon corps et une protection. En parallèle de cette pratique picturale, j’ai développé celle de l’autoportrait et du portrait en fixant mon regard ou celui sur les photos des femmes de ma famille et en essayant de très peu regarder la feuille afin de donner à voir des émotions et expressions non visibles.

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Anomalies – Lewis Brillet

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Lewis Brillet est un artiste visuel. Né en Angleterre, il vit et travaille actuellement en France. Lewis nourrit un vif intérêt pour les gens, les communautés, les relations et la nature qu’il explore à travers ses œuvres photographiques et picturales. L’OpenBach a eu le plaisir d’accueillir l’expositon Anomlies du 12 au 16 avril 2023.

Le titre de cette exposition ‘Anomalies’ fait référence au changement neurologique et physique qui survient après un accident traumatique, et également à la fragilité et à la résilience dont notre esprit est capable. Je me suis ainsi interrogé sur ces anomalies qui sommeillent en nous et se révèlent dans certaines circonstances.
Mon père a souffert d’une rupture d’anévrisme au cerveau en août dernier qui a nécessité une opération en urgence. Le caractère inattendu et grave de cet événement fut extrêmement traumatisant. Bien que l’opération se soit bien passée, le voir dans un tel état de vulnérabilité a eu un impact important sur moi et ma famille. Lors du développement de ce projet, je pensais à mon père à l’hôpital afin d’essayer de mieux comprendre son expérience. Cet événement a également impacté certains aspects de ma propre santé mentale, liés aux angoisses. Je me demande comment quelque chose d’aussi puissant que l’esprit humain peut sembler si délicat, comment un défaut dans notre système neurologique peut être responsable d’un changement instantané dans notre état d’esprit.
Cet événement m’a forcé à réfléchir au caractère instable de notre cerveau et de notre santé mentale. Les traumatismes peuvent engendrer un déséquilibre mental menant à des effets à long terme tant mentaux que physiques. Cet événement m’a pousser à réfléchir au lien entre traumatisme et développent social et personnel, et comment il peut influencer nos comportements et nos interactions. Bien que ce travail ait démarré dans des circonstances inattendues, il m’a permis d’observer les capacités extrêmes dont notre cerveau est capable. A l’instar du caractère imprévisible de nos esprits, ce travail relit des émotions contradictoires associées à la santé, les relations, le traumatisme.
La vulnérabilité est un thème central dans mes recherches, étant vitale pour notre développement personnel mais aussi pour notre capacité à aider les autres. Cette expérience a renforcé cette idée, la guérison de mon père ayant été difficile et seulement possible en lâchant prise.
A travers l’abstraction, je confronte des formes, des souvenirs, des observations, et des personnages afin de représenter l’importante complexité et les nuances de notre système neurobiologique. Parmi les fragments de ma propre expérience et perspective, j’espère que quelque part dans les détails et les formes chacun puisse trouver des similitudes avec sa propre expérience.

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Leopold Schwartz – Solo show

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Le travail de Léopold Schwarz ne laisse aucune place au vide et à la paix intérieure…
Dans cette exposition, qui s’est déroulé du 29 mars au 02 avril 2023, l’artiste a voulu dépeindre les sujets oniriques ou cauchemardesques qui l’obsèdent, des monstres, aux animaux colorés et personnages délirants sortis tout droit de son imagination.
Son univers pictural, aquarelles, peinture à l’acrylique, mais aussi petites sculptures en terre cuite, est riche et décalé, rappelle l’univers de la bd, et des dessins animés, qui ont marqué l’enfance de l’artiste. On pourrait passer de longs moments à observer ses peintures sans se lasser et réussir à en débusquer toutes les représentations…

Léopold Schwarz est né en 1993 à Paris.
Il s’initie au graphisme dans une école privée de 2012 à 2013.
Passionné par le dessin et la peinture, Il s’essaie à diverses techniques, notamment à la peinture à l’huile et à la peinture sur tissu. Parallèlement, il suit un cours de peinture et de modèle vivant avec les ateliers des beaux-arts, et participe à plusieurs expositions sur Paris. Son travail est polyvalent. Il réalise principalement des dessins imaginatifs peints à l’aquarelle, à mi-chemin entre la peinture et la BD, représentant des monstres et des personnages issus de son univers personnel, mais aussi des animations et des sculptures. Il est l’auteur et l’illustrateur d’un livre pour enfant, « Rico le petit oiseau », paru en 2019, ainsi qu’une BD inspirée du monde de la boxe. Il illustre récemment sa propre version du tarot divinatoire de Marseille.

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BURNING DESIRES – Olivier Larivière

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L’exposition Burning Desires présentait, du 22 au 26 mars 2023, une sélection d’œuvres de la dernière série en cours d’Olivier Larivière. Olivier Larivière s’intéresse dans son travail au rapport de l’homme au temps, comment ce dernier le structure, façonne son identité et donne son identité à une histoire toujours à réécrire. Son œuvre dépeint les épiphanies et les errances de héros déchus, de magnifiques losers, de simples inadaptés, tirant le fil narratif de situations incongrues ou absurdes, jusqu’à ce qu’il se brise. Les no man’s land qu’ils habitent furtivement, toujours en transit et protégés par la nuit, renvoient l’image d’un monde flottant au contenu instable que l’on parcourt à un rythme incertain. Chaque tableau développe une dialectique faite de notions contradictoires : l’événement ou son attente, le connu et l’inconnu, l’être et l’apparaître, le désir et le désespoir, le libre arbitre et la fatalité, le rêve et les aspects terre à terre de la vie…

Olivier Larivière (Saint Germain-en-Laye, France, 1978) vit et travaille à Montreuil. Après des études aux Beaux Arts de Paris, un Master d’Arts Appliqués à l’ENSAD Paris, et une bourse d’excellence à la School of Visual Arts de New York, il s’oriente vers une carrière de peintre. Il est résident de la Casa de Velázquez à Madrid en 2011. Il reçoit le prix Gérard Fromanger au prix Antoine Marin 2011 qui récompense les jeunes figures montantes de la peinture contemporaine en France, et participe à de nombreuses expositions collectives ou personnelles en France, Belgique et Espagne.

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BÊTES DE SCÈNE & SCÈNES DE BÊTES

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Tour à tour exploitées ou exploitantes, contrariées ou complaisantes, curieuses, fétichistes, nonchalantes…, les bêtes, miroirs de nous-mêmes se prêtent, bon gré mal gré, au jeu de la parade et de la pause… Leurs silhouettes échafaudent pièce par pièce à la manière de puzzles reconstituant des hybrides «humains – animaux». BÊTES DE SCÈNE & SCÈNES DE BÊTES de Sabine Delahaut est disponible du 2 au 6 mars 2022.

Sabine Delahaut est diplômée de l’Institut Supérieur des Beaux-Arts St-Luc de Liège. Elle vit à Paris depuis 2006 et son atelier est situé au sein de l’OpenBach Résidence depuis 2019. De formation aux techniques d’impression artistique, elle a également été assistante à l’Atelier Contrepoint (anciennement Atelier17) de 2008 à 2012. Elle a participé à de nombreuses expositions, collaborations et résidences en France et à l’étranger. Sabine Delahaut est également collaboratrice à la revue ACTUEL, l’estampe contemporaine.

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DUO Kebba x Iris

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Du 9 au 13 mars 2022, venez admirer l’exposition croisée sur un thème commun, le cycle de la vie. Kebba présente “Après Nous“, une série d’œuvres en noir et blanc qui font écho à l’art naïf et l’héritage du « Douanier Rousseau ». Elles témoignent d’une nature qui se ranime après la disparition de l’homme ou l’animal côtoie les vestiges de l’humanité. Iris présente “Mother », un voyage onirique qui suit le parcours d’un nouveau-né traversant les profondeurs de la mer dans une quête pour rencontrer sa “mère”. Une série d’illustrations étranges et symboliques où le rouge se noie dans le bleu profond de l’océan.

Iris D’arbre, diplômé de l’École Supérieure d’Art de Saint-Luc, à Bruxelles, s’est lancé très tôt dans la production de séries d’illustrations narratives avec l’idée bien ancrée de lier l’intime au symbolique. Chacune de ses illustrations est un prodige de patience et d’application, point après point, en suivant un procédé qui emprunte au pointillisme autant qu’au pixel art.

Kebba Sanneh est un illustrateur, basé à Paris. Il a étudié les arts graphiques aux Gobelins avant de se lancer en freelance. Par la suite, il est revenu à son premier amour : le dessin. Il s’inspire du quotidien pour créer son univers : un monde surréaliste, des couleurs minimalistes et un traité « Dotwork », pour illustrer une vision tantôt sombre, tantôt cynique et décalée.

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ELIOTE & ESMO

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Passionnés d’abstraction, Esmo et Eliote expérimentent la forme pour créer de nouvelles images graphiques tout droit sorties de leur imagination. Les lettrages abstraits deviennent paysage ou architecture. Ces deux artistes proposent un design graphique futuriste dans lequel le tag reste le point de départ d’un jeu de superpositions. Ils passent du minimalisme à l’explosion de texture.

Eliote / Esmo